Le dernier symboliste

Adolfo Wildt, La mère, fragment du groupe La Famille (La Madre), 1922. Marbre. Collezione Franco Maria Ricci, Fontanellato (Parma) © Archivo Franco Maria RicciAdolfo Wildt (1868-1931)

Jusqu’au 13 juillet 2015

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Catalogue de l’exposition : 

Musée de l’Orangerie, Jardin des Tuileries, Paris Ier

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Tombé dans l’oubli à partir du milieu du XXe siècle, le sculpteur italien Adolfo Wildt était pourtant renommé de son vivant pour la virtuosité de son travail du marbre. Dans le cadre d’un cycle consacré à l’art italien du XXe sicèle (en collaboration avec le musée d’Orsay), le musée de l’Orangerie lui rend hommage.



Il faut attendre 2013 (!) pour qu’en France, un musée (Orsay) achète une oeuvre de Wildt : un bronze intitulé Vir temporis acti dit aussi Homme du temps passé (1921).

Adolfo Wildt, Vir temporis acti dit Uomo antico, 1921. Bronze. Paris, musée d’Orsay © Musée d'Orsay, dist. RMN-Grand Palais / Patrice Schmidt

L’exposition suit une voie chronologique à travers une soixantaine de sculptures. Elle présente également des photographies anciennes de ses oeuvres disparues ou inamovibles. Enfin, en contrepoint, figurent des oeuvres évoquant la variété des sources et références de l’artiste.

La première salle présente les débuts du sculpteur, entre naturalisme et classicisme. En dépit d’un patronyme germanique, Wildt naît et passe l’ensemble de sa vie à Milan, terreau de la sculpture bohême (cf. son maître Giuseppe Grandi), impressionniste (Medardo Rosso) et plus tard futuriste, la ville étant assimilée à la « cité d’or et de fer ».

Après Grandi, Wildt se forme auprès du tailleur de marbre Federico Villa. Il acquiert alors une technicité que ne possède pas les jeunes sculpteurs formés dans les académies.

Wildt se met à son compte vers 1885. Dès 1894, le mécène prussien Franz Rose le prend sous sa coupe : il lui propose un soutien pécunier en échange de chacune des premières créations de Wildt. Libéré des contraintes financières, Wildt peut suivre une voie personnelle et s’affranchir du contexte académique milanais autant que des courants d’avant-garde.

Ce qui ne l’empêche pas de conserver « un lien très fort avec la tradition artistique italienne, de l’antique au néoclassicisme, avec une prédilection pour la peinture de Renaissance », commente Ophélie Ferlier, co-commissaire de l’exposition (conservateur sculpture au musée d’Orsay).

Autour des années 1910, son oeuvre s’inscrit dans une tendance expressionniste. L’artiste travaille la figure partielle et introduit dans ses oeuvres aux lignes simplifiées des éléments décoratifs dorés, qui évoquent les sécessions germaniques.

Adolfo Wildt, Bénitier dit aussi Fontaine sainte (Acquasantiera ; Fontanella santa), 1921. Mosaïque, bronze doré et onyx. Forlì, Musei Civici, Palazzo Romagnoli, Collezioni del Novecento © Photo by Palazzo Romagnoli, Pinacoteca civica, Forlì

« Une oeuvre d’art n’est pas faite pour les yeux, elle est faite pour l’âme », explique le sculpteur à ses élèves. Comme en témoignent Un Rosaire ou L’Ame et son habit, des pièces épurées qui intègrent une dimension spirituelle, inspirée de sa propre piété.

Adolfo Wildt. L’âme et son habit (L’anima e la sua veste), 1916. Plâtre. Collection privée © Photo Courtesy Galleria Daniela Balzaretti

Wildt réinvente l’iconographie de la famille et réalise des portraits monumentaux. Tel celui de Benito Mussolini, marqué par les attaques dont l’oeuvre a fait les frais à la fin de la Seconde Guerre mondiale.

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Adolfo Wildt Mussolini, dit aussi Dux ou il Duce, vers 1923. Bronze. Italie, collection privée

C’est ce lien avec le futur dictateur et sa maîtresse, Margherita Sarfatti, qui pourrait expliquer l’oubli de Wildt dans la mémoire collective depuis une soixante d’années.

Toutefois, son héritage ne s’est pas perdu pour tout le monde. Comme le montre la dernière salle de l’exposition avec des oeuvres de Fausto Melotti et Lucio Fontana. Une influence non stylistique mais qui se retrouve dans la recherche de l’équilibre des formes au sein d’un langage radical.

Si les oeuvres de Wildt sont indéniablement torturées, elles le sont avec finesse. Sa connaissance de l’anatomie lui vaut d’oser des omissions qui déforment les corps, certes, mais la majorité des oeuvres conservent une certaine harmonie entre les pleins et les vides. Une exposition pour ceux qui n’ont pas peur de l’excentricité !

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